La Historia del Arte cuenta con numerosos/as artistas que han marcado un antes y un después. Sin embargo, hay obras que pasan desapercibidas o no reciben el mérito que corresponde. Beatriz Lucea nos explica cómo Utópica Project se lanza a las calles con el objetivo de dar visibilidad a artistas olvidadas y “despertar las conciencias”, tratando de sacar a la luz verdaderas obras de arte que la historia ha olvidado.

¿Qué es Utópica Project?

Utópica es un proyecto 360 grados que pretende alcanzar y dar visibilidad al ámbito del arte y sirva para hacer ciudad, en este caso, Zaragoza y, más concretamente, el Casco Histórico de Zaragoza. Este proyecto va a servir como primer objetivo sacar a la luz o volver a poner en el sitio que merece a una serie de mujeres artistas que son una ínfima parte de todas las que hay, un sitio que nunca debieron perder y que la historia ha borrado. Yo misma soy historiadora del arte y algunas de ellas jamás las había oído hablar. Es un tema que me preocupaba mucho porque a día de hoy me consta que sigue sucediendo parecido. En la medida de nuestras posibilidades queremos que se vuelva a reescribir la historia o como poco incentivar y poner de manifiesto que esto no puede estar sucediendo. Al mismo tiempo  queremos poder contribuir a dar vida a los cascos históricos y a los barrios para generar actividad en sus tiendas, en su hostelería y en sus calles. Una vuelta a las ciudades, a ese vivir a lo slow life. Pretendemos generar curiosidad hacia esas mujeres, seleccionando una obra de cada una de ellas, pero esperamos que sea ese arranque de curiosidad hacia el trabajo de las que hemos seleccionado y de otras, claro.

¿Cuándo nace la idea?

El proyecto lo teníamos en la cabeza desde hace muchísimo tiempo, unos dos o tres años, pero nuestro trabajo diario nos impedía aterrizar y pensarlo. El confinamiento absoluto de marzo nos permitió tener un poquito más de tiempo para reflexionar y concretar esas acciones. Podemos decir que ahora mismo lleva como un año desde que se gestó.

¿Cómo califican la experiencia del colocado de QRs por las calles de Zaragoza?

Es un proyecto 360 grados y no queríamos que se limitaran a las acciones de la semana del Festival (finales de mayo hasta principio de junio). Pensamos que un momento importante para empezar a dar a conocer el proyecto tenía que arrancar el 8-M. Ideamos esta acción de marketing callejero para sensibilizar a la gente a través de datos. Por ejemplo: las mujeres artistas suelen cobrar un 51% menos por sus trabajos que los hombres. Esas cifras nos servían para abrir el debate sobre por qué íbamos a hacer este festival y por qué nos habíamos centrado en mujeres. Nos hemos encontrado con comentarios en prensa digital que decían: “Si una obra es buena, da igual que sea hombre o mujer”. Yo no puedo estar más de acuerdo con eso, pero si la historia se ocupa de que eso no suceda y de que la gente no se entere de que esas obras existen, ahí sí estamos hablando de una desigualdad, porque no estamos diciendo que porque sea de una mujer tenga que ser más buena que la de un hombre. Esa acción queríamos que funcionase de una manera rápida, sencilla y efímera y ha tenido bastante buena acogida. Esos vinilos rosas y amarillos en el asfalto han llamado mucho la atención y han funcionado bastante bien, generando bastante visibilidad al vídeo de presentación del proyecto.

Esta iniciativa surge a pocas semanas del primer Festival Utópica Project. ¿Qué se va a poder ver?

La acción principal son 15 papers de 15 artistas seleccionadas para esta primera edición tras ese trabajo de comisariado. Paralelamente a esos papers, va a haber intervenciones artísticas en escaparates hechos por mujeres artistas actuales y jóvenes que consideramos que están trabajando muy bien y que tienen mucho que contar. Es otra forma de exhibir su trabajo y con eso logramos un poco la desmitificación del arte donde parece que para coger nombre haya que exponer en un museo, en una gran galería o una feria. Queremos que esos nombres empiecen a sonar a través del acercamiento mucho más pop que es los escaparates de esos comercios que hay en la ciudad. También va a haber acciones de hostelería, de mediación con las obras artísticas, unas jornadas muy interesantes que se llaman “La mujer de” en el que hablaremos del estado actual del arte y también va a haber música comisariada.

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¿Qué papel cumple el público en este proyecto?

Lo que esperamos es que la gente se divierta, no queremos ir de intensas por la vida. Es un festival, hemos pasado todos un año muy malo, nos apetece estar en la calle y el festival está pensado precisamente para eso. Cuando hace un año empezamos a aterrizarlo, todos teníamos mucha incertidumbre y teníamos muy claro que esa incertidumbre iba a durar tiempo. El festival empieza el 1 de junio, unos días antes porque es fin de semana, pero escogimos esta fecha porque es el Día del Historiador del Arte. Elegimos esa fecha muy a propósito porque es la propia Historia del Arte la que ha negado el sitio a estas artistas, a algunas de ellas. Todo está planteado para que pueda ser disfrutado en la situación en la que estamos. Lo que queremos es que la gente pueda disfrutar de las calles de Zaragoza en un entorno seguro y despertar las conciencias sin ningún tipo de intensidad, simplemente para que la gente disfrute y demos visibilidad a esas artistas.

*Actualización 31/05/2021: El festival se ha retrasado un mes y dará comienzo del 9 al 18 de julio de 2021.

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Este nuevo espacio pretende ser de experimentación y exposición digital en el que participaran -aportando tanto capital humano como monetario- DigitalX, Mira Festival, Eyesberg, Magma Cultura y Minoria Absoluta con la colaboración internacional de Exhibition Hub, Berliner Festpiele, SAT y Base Milano.

El objetivo de esta iniciativa es utilizar las nuevas tecnologías con un fin artístico. El espacio contará con una sala de exposiciones inmersiva con Dome incluída -cúpula proyectable en sus 360º-, una zona de realidad virtual, un laboratorio tecnológico, oficinas y cafetería.

Aunque la primera exposición ya está cerrada – “Monet: una experiencia artística inmersiva”, producida por Ideal y Exhibition Hub y “Poetic Ai” de Ouchhh-, pretende ser una laboratorio de creación artística donde converjan todas las artes y de donde surjan nuevos proyectos y experimentos.

Finalmente, como curiosidad e iniciativa similar, Barcelona cuenta en la actualidad y hasta el 2 de junio, con otra exposición en la que los medios digitales son el soporte principal. Se trata de “The Meet Vincent Van Gogh Experience”; una exposición interactiva en el Port Vell, que nace en el Museo Van Gogh de Amsterdam. Esta exposición presenta mediante los medios digitales algunas de las obras más relevantes del pintor, combinadas con una selección de sus pensamientos más célebres, convirtiéndola en una experiencia inmersiva.

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Los nenúfares de Monet inaugura la sala 1. La teoría de la percepción del color, de la luz, el cientificismo, se retrata en el divisionismo que encabeza Signac y que salta a palestra en la última Exposición Impresionista de París (1886). Pissarro relata el campo, en el inicio de su abandono industrial, a través de un rebaño de ovejas idílico que se asume como crítica al cambio, a la modernidad  que destroza la vida. Seurat se asienta sobre paisajes de barcas en bahías calmadas, mientras Luce, con tonos y trazos más oscuros, densos, se acerca a la ciudad, a la multitud, a las fábricas que tiñen de humo los paisajes claros y quedos de Signac. El neoimpresionismo se descubre en un espacio de confluencia del anarcosocialismo y del anarcocomunismo, como una coincidencia de izquierdas que reflejan al trabajador del olvido. Extinto ¿Una mentira? ¿Una verdad? El reflejo de la luz, como puntos, píxeles, es construido sobre la distancia entre la realidad del lienzo y las calles de París, convulsas. Entre cada punto que conforma la imagen y las crónicas rojas de los diarios. El color da pie para crear la mentira que refleja la realidad. El pincel de Henri-Edmond Cross se satura para hacer emocional su obra, de realidad neoimpresionista.

El Guggenheim es el escenario de la reconversión, su piedra angular. El renacer de un verde antes cerrado a las pinturas impresionistas.

Más de 100 años después, Bilbao recrea ahora el paso del tiempo y mira con recelo a su pasado industrial, a su ría cubierta de barcos pesados y cargados de metales. El Guggenheim es el escenario de la reconversión, su piedra angular. El renacer de un verde antes cerrado a las pinturas impresionistas, críticas que rememoraban los trabajos manuales, campesinos. ¿Quién mentía sobre la vida? La industria y su desarrollo, condenado por Pissarro y Signac, profetas, como sus compañeros de la sala 3. El Bilbao de fiestas, de su semana grande, de un Bilbao verde, adornado de noria, luces, bingos y txosnas (casetas festivas), grita en letras rojas en un escaparate: “¡Ni dios, ni amo!”. La caseta, que vende a Jesús en trozos –solomillos, muslos, paletillas- bajo el símil de la “carnicería vaticana”, es censurada por la Iglesia y por el juzgado de instrucción número 3. La expresión urbana logra su cometido de salir en todos los medios. Las noticias de París de fin de siglo, transformadas. Ya no como fenómeno de histeria, sino como signo de existencia. Existir. Estar en los medios, en las tertulias. ¿Quién miente? ¿Acaso lo hacen las letras rojas de pintura sobre el mesón de la carnicería? La expresión popular no suele mentir. Como no mintieron los neoimpresionistas, cuya puerta de entrada es el nenúfar, de Monet.

El diálogo se encuentra, en la sala 2, con el simbolismo, ese círculo artístico que se inicia literariamente con Jean Moras en 1886. Su mundo deja de ser el real, el academicista, científico, incapaz de describir los males de la sociedad moderna. El paisaje es ahora psicológico. Reconstruido sobre la verdad hacia una mentira. Aunque parte de la naturaleza como fuente, la verdad, la intención es construir una imagen bella, que llegue al alma, la mentira. El cine marca su impronta en la pintura y Maurice Denis, así como Odilon Redon recurren a la simbología trascendente, a la representación imaginaria ausente de materialismo. Si antes hay profetas no declarados, la sala 3 encuentra a los nabis (profetas, en hebreo), como verdad declarada. La vanguardia cultural y artística retoma a la pintura como crónica social para hacer un frente de batalla. Luchan por sacar el arte de la élite, batalla perdida. La realidad social concentrada en La pequeña lavandera de Pierre Bonnard -¿profeta acaso de la denuncia del trabajo infantil y femenino?- tiene más poder que los relatos crónicos de la prensa. No hay grabados más verídicos que los de Félix Vallotton para denunciar el papel -y el papel escrito- de los diarios de sucesos. Una batalla de verdades. Publicitadas. ¿La prehistoria de la posverdad mediática? La mentira más grande jamás contada. Sin arte.

En las nuevas formas de contar, de narrar una versión del mundo, de un salto de siglo convulso, el arte se convierte en profeta de lo social

La mediatización artística-publicitaria se acerca con el cartelismo de Toulouse-Lautrec. Atracción. La ciudad dinámica y creativa en el umbral del siglo XXI entra de lleno en la modernidad. La estampa japonesa influye sobre las líneas y los contornos de encuadres simples, con escasos colores. El arte se pasea en carteles en la calle, y sigue su camino como una crítica que apunta de lleno al arte académico. En las nuevas formas de contar, de narrar una versión del mundo, de un salto de siglo convulso, el arte se convierte en profeta de lo social. El mundo no cambia. En su verdad, la colección Alicia Koplowitz, del Museo de Bellas artes de Bilbao, recupera a Toulouse-Lautrec previo a su cartelización. La lectora (1889) se convierte en el realismo mágico de su profecía.

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Sentado delante de la televisión, mientras veía cómo Albert Puig nadaba relevos en medio de grandes figuras de la natación que continuaban siendo sus ídolos de la infancia, y mientras Paula Leitón jugaba a waterpolo con la selección española, intentaba extrapolar esta gran noticia y verla en su extensión a lo largo de tiempo. Los dos exalumnos nos han enseñado mucho. Hay programas educativos catalanes (y también en el resto del Estado) que han sido todo un acierto para los adolescentes que se han acogido a ellos, por ejemplo el Alto Rendimiento Deportivo, del cual el instituto forma parte con 100 alumnos en el presente curso escolar.

Unos meses antes, pensaba en parecidos términos sobre los 80 alumnos que actualmente forman la Coral del centro, con más de 25 años de antigüedad. También pensaba en las composiciones artísticas de bachillerato, o en las interpretaciones teatrales, con obras originales escritas por una profesora del centro. Espectáculos diversos que enganchan, las artes plásticas que fomentan la creatividad, salidas culturales con las que a veces se aprende más que en las clases, o los resultados de 20 años de introducción de las TIC en el aula, con unos aprendizajes visibles e invisibles de largo recorrido y que habría que analizar con más profundidad de lo que se hace.

¿Contempla PISA aquellas enseñanzas con las que también se aprende?

Mientras pensaba en todo lo anterior, seguía a la espera de analizar los resultados de las pruebas PISA de 2015, publicados ahora, y en los que participó el instituto por primera vez. ¿Contempla PISA aquellas enseñanzas con las que también se aprende?

Extrapolaba las reflexiones a tantas peculiaridades de tantos centros educativos de todas partes, unos hechos diferenciales que fueron innovaciones en su momento y que conforman aquellos atractivos que convierten la enseñanza en más significativa y competencial, a menudo en entornos sociales desfavorecidos. Son aprendizajes transversales, conectados con la realidad, con visión de futuro y compatibles con las diversas metodologías que se utilizan para enseñar el currículum de forma transversal. Son experiencias educativas que trabajan habilidades y, sobre todo, valores humanos, atendiendo a principios de equidad y de ausencia de discriminación de nadie. La supuesta rentabilidad de todo no se transforma en cifras sino en experiencias que forman. Son vivencias que perdurarán en los recuerdos del alumnado y en su formación, a veces más que muchos aprendizajes formales de los temarios obligatorios.

El márquetin educativo de cada centro no debe responder solo a campañas puntuales (y artificiales) cuando llega el período de preinscripción sino que debe partir del día a día, con una imagen exterior que se debería relacionar con realidades propias y comprobables que se forman en el día a día de cada escuela. ¿Pensamos cómo se percibe cada centro desde el exterior de acuerdo a su historial educativo? La mejor imagen no se ha de basar en ranquins sino en hechos: comunicar bien la realidad, sin medias verdades, es la base de la credibilidad.

El deporte educa en todos los niveles. Cada fin de semana las actividades deportivas escolares convierten muchos espacios en una gran aula de aprendizaje.

El programa de Alto Rendimiento Deportivo del Consell Català de l’Esport y del Departament d’Ensenyament de la Generalitat de Catalunya va más allá de las marcas, de los récords y de las medallas. Las mejores condecoraciones son las que el alumnado cultiva en su interior, que transcienden a otras personas a través de sus actitudes. El esfuerzo, el espíritu de lucha, al superación, la disciplina, el trabajo por objetivos y la aceptación de los resultados encajan con las demandas de la sociedad actual. El deporte educa en todos los niveles.

Cada fin de semana las actividades deportivas escolares convierten muchos espacios en una gran aula de aprendizaje. Miles de niños y niñas, de adolescentes y jóvenes aprenden y también enseñan, en unas actividades que poco a poco los van fortaleciendo como personas.

Los centros educativos que cultivan las manifestaciones musicales e incentivan también las aficiones de su alumnado están abriendo caminos expresivos y experiencias creativas de gran valor. El teatro, la música, el baile, las artes plásticas, los videojuegos, los grafitis, la robótica, los cómics, los youtubers, tantas y tantas posibilidades para aprender dentro y fuera de las aulas, con y sin Internet. Todo es compatible con la enseñanza establecida, con metodologías diferentes e innovadoras. La enseñanza formal y la informal ya son solo una en el entorno personal de cada persona que aprende.

Alumnos que cantan en una Coral (elegidos no por cantar mejor: sin discriminación a nadie), que ensayan, que graban canciones, que ofrecen conciertos, que se relacionan en “familias”, que salen y que viajan son muestras de la riqueza de proyectos artísticos de muchos otros centros educativos de todos los niveles. Es importante decirlo en un momento tan interesante como el actual, en el que abundan estrategias innovadoras (algunas no tan nuevas) que han de partir del valor del trabajo anónimo de tantos docentes que llevan años renovando los centros educativos, invirtiendo y sumando esfuerzos con resultados más positivos de los que a veces se publican.

Los nuevos puntos de partida se han de alimentar del trabajo anterior. Cada docente podría documentar sus experiencias innovadoras en público, cada alumno podría recordar las que más le han servido en su vida y cada familia tendría que valorar la influencia del centro educativo en su entorno. Quizá a partir de esta composición tan amplia se obtendría un perfil bastante exacto y positivo de la realidad educativa actual, necesario para orientar las políticas educativas y los nuevos movimientos innovadores, en unos escenarios que continúen estimulando los aprendizajes para un futuro que se labra desde el presente.

En todo el Estado ha habido muchas prácticas educativas diferentes y ahora hay más, con resultados que han dejado profundas huellas en el alumnado, más allá de las frías estadísticas de pruebas estandarizadas. Independientemente del caso que le hagamos al idolatrado informe PISA de turno.

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